martes, 8 de agosto de 2017

LAS GEMAS DE LOS MONTES URALES


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Diamante Ruso


Rusia, como Canadá y Australia, son enormes países con grandes reservas de minerales. 

Los tres países se han convertido en importantes productores de diamantes. 
De hecho, Rusia es el segundo mayor país productor de diamantes del mundo después de Botswana, Rusia representa alrededor del 21% de la producción mundial de diamantes.


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La extracción de diamantes en Rusia se lleva a cabo principalmente en la República de Saja en el noreste de Rusia, cerca del Círculo Polar Ártico.


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Alejandrita Rusa



Rusia también tiene importantes yacimientos de piedras preciosas de muchos colores. 
El país es especialmente famoso por las gemas raras y exóticas como la alejandrita y el granate demantoide llamados también como esmeraldas de los Urales.


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Esmeraldas Rusas


Las esmeraldas rusas también son bien conocidas por su excelente color y excelente claridad cristalina. 
La esmeralda se extrae cerca de Ekaterimburgo en los Urales de Rusia.


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La Alejandrita es un tipo raro de crisoberilo que contiene trazas de cromo, lo que resulta en un cambio de color llamativo según las diferentes condiciones de iluminación. Normalmente La Alejandrita tiene un color verde esmeralda a la luz del día, pero exhibe un color rojo frambuesa con luz incandescente. 


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Inclusiones en una esmeralda Rusa


La Alejandrita se descubrió por primera vez en Rusia y fue nombrada Alejandrita en honor del Zar Alejandro II.


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Granate demantoideo Ruso



El Demantoide es un raro granate verde, también está estrechamente relacionado con Rusia, donde se descubrió en las montañas de los Urales en 1853.


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Aunque el granate demantoide más tarde fue descubierto en Namibia en 1996, el demantoide Ruso es reconocido por sus distintivas inclusiones del tipo cola de caballo. 


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Inclusiones cola de caballo en granate demantoideo Ruso


El Demantoide Ruso casi siempre contiene inclusiones de bisolita. 
El Demantoide que contiene estas inclusiones distintivas se encuentra entre las más valiosas de todas las piedras preciosas de colores.


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Malaquita Rusa



Rusia tiene sólo unas pocas variedades de piedras preciosas que pueden ser facetadas, principalmente los diamantes, la esmeralda, alejandrita, granate demantoide y cromodiopsido, también existe en los Urales una gran cantidad de piedras preciosas opacas interesantes que se han utilizado para joyas y objetos decorativos.


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Ágata Moss Rusa


Estos incluyen malaquita, ágata, jade, charoita, ámbar, serafinita y rodonita. 
Los montes Urales también ofrecen una variedad de mármol y granito. 


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Ámbar Ruso



Las piedras preciosas de las montañas de los Urales de Rusia han alimentado muchos cuentos de hadas y leyendas. 
Cuentos son todo lo que queda de las minas de piedras preciosas antiguamente muy ricas.


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Serafinita Rusa


Las primeras historias de yacimientos de piedras preciosas de la zona se remontan a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Durante varios siglos, la capital de la región de Ekaterimburgo aprovechó las riquezas minerales de los Urales.


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Rodonita Rusa



Todavía se cree que hay enormes yacimientos de piedras preciosas en los Urales. 
Tal vez un día Ekaterimburgo recuperará su fama como la capital de la piedra preciosa de Rusia.


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Montes Urales Rusia


Fernando Gatto
Kaia Joyas Uruguay

LA ORFEBRERÍA ALEMANA


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Durante las invasiones bárbaras entre el siglo III y el siglo VII d.C., fueron afectadas extensas regiones de Eurasia, lo que acabó provocando la caída o desestabilización de grandes imperios como el romano, el persa, el Gupta y el Han. 
Al final las tribus germánicas habían ocupado toda Europa y se establecieron allí.


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Los ostrogodos, los visigodos, los vándalos, los ángulos, los sajones, los francos, los lombardos y muchas otras tribus habían estado viviendo en los lados orientales de los ríos Rhin y Danubio, estuvieron bajo la influencia de los últimos romanos durante bastante tiempo. 
Esto se reflejó en sus joyas, por su estilo técnico y decorativo pero no fueron muy diferentes de los orfebres romanos tardíos.


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Existe un buen conocimiento sobre las joyas usadas por estas tribus porque enterraron a sus muertos con sus joyas. 
La difusión del cristianismo cambió estos rituales, y así es que desde el siglo 7 y 8 tenemos que confiar en otras fuentes como los inventarios de los monasterios y testamentos junto a raros hallazgos.


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Materiales

Hasta el siglo VIII las monedas de oro del Imperio Bizantino proporcionaron a los orfebres germánicos el material de trabajo, la plata y el oro estaban de moda y después de que las grandes cantidades de oro bizantino que llegaban a Europa occidental dejaron de llegar, la plata árabe se convirtió en el metal más utilizado para la joyería. 


Para versiones de joyas más baratas, se utilizó el latón estañado, dorado y plateado.


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Las piedras preciosas eran muy populares. 
El color era extremadamente importante para los nuevos habitantes de Europa occidental. 

Los zafiros, las esmeraldas y sobre todo los granates fueron utilizados intensamente. 
Los esmaltes también se usaron, sobre todo después de los ejemplos de los maestros bizantinos. 
Las perlas de oriente, así como perlas de agua dulce de Escocia estaban en gran demanda.


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El uso de las piedras de colores y de la luz caracterizaron a la joyería germánica. 
La incrustación de vidrios de colores y piedras con aplicaciones de niello y esmalte causan la atención de todos. 


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El carácter policromado de la joyería germánica se logró generalmente mediante el uso de piedras preciosas, junto a esmaltes. Una manera muy típica de usar el color rojo era producir objetos de oro cubiertos con incrustaciones de granate y cloisonné. 

Se moldeaba una forma básica en oro y luego se trabajaba manualmente para formar un patrón geométrico de células, cloisones, en las que se colocaban pedazos cortados y pulidos de granate. 
Una superficie reflectiva, colocada por la parte de atrás de la piedra, garantizaba su aspecto de rojo brillante.


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La técnica había estado en la moda con los godos cuando todavía vivían en el lado del este del Danubio y cuando se movieron hacia el oeste lo introdujeron a otras tribus germánicas que adoptaron este estilo de decoración.


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Las piezas de metal a menudo estaban cubiertas de patrones geométricos seguidas de formas abstractas de animales. 
Estos motivos de animales estuvieron en moda durante más de 500 años, entre el año 500 y 1.000 d.C. en las islas británicas, Europa continental y en Escandinavia. 


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El decorar el metal con imágenes de animales cazados y apenas reconocibles fueron hechos también en un estilo similar, en las islas británicas y Escandinavia. 
Se llamó Estilo I


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La decoración tan densa parece caótica a primera vista, pero una mirada más cercana a menudo revela una perfecta simetría a sus imágenes ocultas. 

Más tarde, surgió un nuevo estilo, que entró en uso en toda Europa, y se llamó Estilo II.


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Este estilo comprendía un patrón más regular de cuerpos de animales entrelazados y partes de los mismos. 
Las decoraciones en relieve más alto a menudo se fundían y se decoraban con piezas repujadas, filigranas o granuladas. 
Este molde requería moldes complicados para ser hechos y las técnicas eran aplicadas especialmente para la joyería Vikinga que se había desarrollado lejos de las influencias mediterráneas.


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La introducción del cristianismo a las tribus germánicas no cambió mucho los estilos decorativos, a excepción de la aparición de la cruz como motivo popular. 


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Debido al término de las tradiciones paganas para los entierros, no son muchos los hallazgos de objetos, así es que no podemos describir bien la joyería germánica del 8vo y del 9no siglo. 


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El Niello se usó en el oro y la plata y las técnicas del esmalte como el cloisonné eran ya por este tiempo conocidas en Occidente.

La joyería germánica tenía a menudo un propósito funcional en vez de ser un objeto puramente decorativo. 



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Los objetos más comunes de la Edad Media temprana fueron los broches de ropa. 
Estos broches, de los cuales algunos procedían de fíbulas antiguas, se encuentran en varias formas. 
Los broches de disco y penanulares eran los más comunes y se usaban para asegurar las túnicas y las capas en el cuello o en el hombro. 


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Otros elementos como broches, hebillas de cinturón grandes y pequeños para asegurar el calzado, adornos para la suspensión de la espada y la armadura fueron a menudo muy decorados en los estilos de la joyería de la época.


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Las mujeres usaban anillos, brazaletes y collares, en las excavaciones arqueológicas quedó demostrado que las cuentas de cristal o de ámbar eran llevadas a través del pecho, y suspendidas del vestido. 
Los aros eran objetos poco comunes en las cajas de joyas de las damas germánicas de la Alta Edad Media.


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Fernando Gatto

Kaia Joyas Uruguay

EL PARURE



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Un Parure, es una palabra francesa que consiste en una combinación de collar, caravanas, broche, pulsera y los más completos llevaban una diadema o tiara.


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Una variación de estos conjuntos de joyas era el demi-parure que consistía en algunas partes del conjunto, tales como caravanas y collar o un broche. 


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Por lo general, un Parure podía contener sólo tres piezas, el collar, aros, y una pulsera o broche o una combinación de ellos. 
Los más completos que se pusieron a la venta en tiempos pasados, eran juegos que contenían hasta siete piezas.


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Las pulseras eran curiosas porque se podían llevar de a pares o se podían juntar y formar un collar tipo gargantilla, esto hacía que fueran piezas prácticas de joyería. 
El poder intercambiar los componentes de un parure era muy importante.


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Los Parures se hicieron populares en el siglo XVII en Europa, debido a los muchos regalos que hizo Napoleón a Josefina y a Marie-Louise. 


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Uno de estos famosos parures de zafiros y diamantes que Napoleón dio a Josephine está en el museo de Louvre en Paris.


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Más recientemente, el antiguo término demi-parure se ha popularizado en los círculos de joyería vintage, los que incluyen un collar con caravanas haciendo juego.

Para entender mejor el término Parure y por qué fueron tan importantes para las mujeres.





Lo bueno de este conjunto es que todos los enlaces del collar son ligeramente diferentes unos de 
otros.

Se ajusta al aspecto "intercambiable" porque el colgante puede ser unido a la parte central del collar; Usado como un colgante central en una cadena, o también puede ser llevado como broche.



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Todos estos conjuntos eran el pilar básico de los armarios de una dama. 
Estos estaban destinados a ser usados ​​juntos para ocasiones formales o como piezas separadas. 
También podían ser usados ​​en tantas combinaciones como las piezas lo permitieran. 
El ingenio de los joyeros que los fabricaban era asombroso, soluciones exquisitas y envidiables hasta el día de hoy.



Parure de Reina Desideria Clary - (1777 - 1860)



Presentación en su caja de Parure.
Parure de oro de Reina Desideria Clary, reina consorte de Suecia y Noruega.




Parure de Zafiro, de la reina María Amelia


Fernando Gatto

Kaia Joyas Uruguay

JOYERÍA EUROPEA DEL SIGLO XIX


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Las joyas del siglo XIX consistieron predominantemente en adaptaciones de estilos de joyería de épocas anteriores. 


Analizando un poco los motivos sabemos que este retorno al pasado nació de un deseo por renovar los sentimientos por las joyas de la familia o de un país. 

Estas joyas reflejaban períodos de logros nacionales y propios que simbolizaban todo lo que fue grande en la historia de la civilización. 


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Nacieron dos estilos importantes; el gótico y el renacimiento.

En toda Europa las fiestas de disfraces se habían convertido en una forma popular de entretenimiento, y no se ahorraba en nada para estos eventos suntuosos. 

Los trajes fueron copiados meticulosamente de los retratos históricos relevantes y las piezas de joyería también además de todo tipo de accesorios. 

Una gran cantidad de retratos de los Tudor y del período de los Stuardos fueron exhibidos en el museo de Kensington del sur, lo que inspiró a los joyeros que trabajaban en los estilos del renacimiento. 


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Algunas de estas joyas volvieron a adquirir una popularidad propia. 
La ferronnière por ejemplo, moda histórica arrancada del pasado y llevada por unos 20 años mas en el futuro.


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Joyas del artista alemán Hans Holbein (1497 – 1543), que incluyen joyas como colgantes, broches y pendientes en el estilo renacentista. 

El estilo se caracteriza por grandes piedras colocadas en el centro, camafeos o intaglios montados en oro junto a un colorido esmalte, como la basse-taille, champlevé, cloisonné. Todas estas técnicas del pasado fueron re inspiradas en nuevas obras como la técnica llamada Holbeinesque.



Holbeinesque, pulsera gótica de hierro, del artista Geiss.



El orgullo nacional en muchos países europeos estimuló un movimiento romántico que invadió a toda Europa. 

El retorno de los motivos góticos en todas las áreas del diseño apareció en todas partes, trayendo consigo una nostalgia por la estética de la Edad Media y el Renacimiento. 
Cada país acogió esta nostalgia por diferentes razones. 

En Alemania el retorno al estilo gótico fue utilizado para unificar a sus ciudadanos contra un enemigo común que era Francia. Durante la guerra franco-prusiana la joyería del hierro fue distribuida a los patriotas que entregaban sus joyas de oro para ayudar a los fondos de guerra. 
Esta aplicación del hierro en la post guerra en sus diseños góticos, ahora es conocida como la antigua joyería del hierro de Berlín.


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Los diseños góticos siguieron siendo dominantes en Alemania, pero una mirada al renacimiento también comenzó a aparecer alrededor del año 1850, moda que fue ganando lentamente popularidad.

Alemania era conocida por sus fuertes gremios artesanales donde estudiaban aprendices para convertirse en orfebres. Comúnmente como obra maestra de la graduación, para completar el aprendizaje y convertirse en un orfebre completo debían copiar algún trabajo de algún joyero del Renacimiento, y además servía para impulsar la estética a futuro.


Mercurio, colgante tipo camafeo, estilo renacentista con esmalte y perlas, artista Froment-Meurice 1870.


La moda para la joyería gótica en Francia, fue fijada por la corte. 

La arquitectura gótica, fue restaurada a lo largo de París en ese entonces, y era el modelo para la joyería gótica a la que se le refería como “romantique”. 
En 1830 el Museo de Louvre, estaba en posesión de importantes colecciones de objetos medievales y en 1844 se inauguró el Museo de Cluny, conocido también como "el mayor monumento a la Edad Media". 

Estos modelos exhibidos, proporcionaron todos los modelos que se necesitaban para rehacer el estilo gótico tan popular. 
Además, el régimen de Napoleón III, durante el Segundo Imperio se basó fuertemente en el Renacimiento como símbolo de la gloria pasada de Francia. 
El esmalte pintado, evocaba el estilo Fontainebleu de Enrique II.


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Los escultores también desempeñaron un papel importante en el diseño de la joyería francesa del siglo XIX. 
Contribuyeron con modelos y diseños figurativos esculturales tridimensionales. 

Uno de los principales joyeros de esta tradición fue François-Désiré Froment-Meurice. 
Empleando escultores, modeladores, esmaltadores, orfebres y otros en su tienda, lo que lo llevó a hacer joyas románticas de estilo sin precedentes. 


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Su trabajo en la Exposición Universal, celebrada en 1851 en Londres, le valió una Medalla del Concilio por sus patinados dibujos figurativos franceses de plata histórica.



Holbeinesque Victoriano


En los años 1870 y 1880 una serie de diseños de joyas del siglo XVI y grabados ornamentales fueron reeditados, proporcionando una inspiración para las joyas neo-renacentistas francesas. 


Desde la década de 1860 hubo un resurgimiento de las técnicas de esmalte pintado. 
Los esmaltes de colores brillantes comenzaron a utilizarse por capas creando un aspecto único a este estilo romántico.



Broche Holbeinesque con intaglio, esmeraldas y esmalte en oro


En la Gran Bretaña la joyería gótica fue rehecha directamente desde álbumes de tracería gótica formada por combinaciones de figuras geométricas. 

Esto estaba en posesión de los joyeros prominentes, Rundell, Bridge & Rundell. 
Gran Bretaña, sin embargo, nunca adoptó el estilo gótico como un estilo nacional. 

La joyería gótica del renacimiento vino vinculada tentativamente al catolicismo y era por lo tanto resistente a ser usada. 
Más populares eran los diseños evocadores del estilo del renacimiento o de los Tudor.


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El artista Holbein, reivindicado tanto por los alemanes como por los británicos, fue una inspiración en la joyería alemana alt-deutsch producida y anunciada como "Holbein Schmucksachen".




Devonshire parure, consta de ochenta y ocho gemas antiguas de la colección del duque de Devonshire, la obra se le atrubuye a Hancock 1855.


En ese tiempo Alemania era conocida por sus fuertes gremios artesanales donde aprendices eran entrenados para convertirse en orfebres. 

Comúnmente una obra maestra de graduación se requería, y para completar el aprendizaje y convertirse en un orfebre completo debían copiar un trabajo de los joyeros del Renacimiento, esto también sirvió para impulsar la estética de esta etapa en delante.


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En 1856 se le encargó a la Condesa de Granville, una importante colección de joyas para que la llevase mientras acompañaba a su marido, el Embajador Extraordinario y representante de la Reina Victoria, en la coronación del Zar Alejandro II en Moscú. 

Esta colección se conoce como "Devonshire Parure" y se compone de siete adornos que incluyen una corona, diadema , bandeau, peine, collar, stomacher, un stomacher es un gran ornamento de corpiño triangular que se extiende desde el nivel del pecho hasta la cintura, y pulsera que fueron creados de oro esmaltado y diseñado para explotar una colección de ochenta y ocho camafeos e Intaglios de la colección del tercer duque de Devonshire. 

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Intaglio


El parure se cree que es la primera pieza hecha en el estilo Holbeinesque. 
Después de lograr su propósito primario, el parure fue exhibido a través de toda Inglaterra, terminando en la exposición internacional de 1872. 
Todavía existe en su totalidad y se exhibe en la casa recientemente renovada de Chatsworth, hogar del duque y de la duquesa de Devonshire.



Obra de Giuliano, collar con esmalte granate, y perlas naturales, 1870.



John Brogden y Carlo Giuliano fueron dos de los joyeros más prominentes que trabajaron en el estilo Holbeinesque y sus joyas se pueden encontrar en las firmas destacadas de Howell y James, Harry Emanuel y Phillips y Hancock. 

Las joyas de figuras francesas fueron otra fuente de inspiración. 
No fue hasta las Exposiciones Internacionales que este renacimiento de las joyas de renacimiento gótico fue ampliamente visto por el público, y posiblemente incluso por otros joyeros.


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Los catálogos ilustrados se convirtieron en libros de modelos, útiles como referencia e inspiración de diseño. 
El museo de South Kensington compró regularmente artículos de joyería de diversos proveedores, entre ellos François-Désiré Froment-Meurice que trabajaron en el estilo renacentista francés y los puso en exhibición al público. 

El museo hizo varias adquisiciones en la Exposición de París de 1855 que sin duda sirvió de inspiración a todos los que la visitaron.


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A finales de la década de 1880, y para disgusto de los alemanes, las joyas del renacimiento ya no fueron comercializables. Las modas habían cambiado y estas pesadas joyas ya no funcionaban estéticamente. 

En Inglaterra la joyería con el estilo del renacimiento siguió siendo hecha, principalmente por Giuliano en el año 1890. En Francia el estilo comenzó a transformarse en el precursor del Art Nouveau en la parte posterior de la década de 1880.


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Fernando Gatto
Kaia Joyas Uruguay