Reconocida durante mucho tiempo por los omnipresentes collares de flores de calabaza y cinturones de concho de color turquesa y plata, la orfebrería tradicional del suroeste ha estado en constante cambio durante más de medio siglo. Desde el principio se han producido joyas y objetos de metal para el mercado indio y turístico. del siglo XX, y su popularidad ha sido testigo de los caprichos de los viajes, la moda y la economía.
Durante este mismo período, las culturas de quienes producen estas joyas y quienes las consumen han cambiado.
Artistas de las tribus indígenas del suroeste han producido trabajos de joyería principalmente en Arizona y Nuevo México.
Artistas de las tribus indígenas del suroeste han producido trabajos de joyería principalmente en Arizona y Nuevo México.
La tribu más grande con la historia más larga en el trabajo del metal, los navajos, vive en una gran reserva en el área de Four Corners de Utah, Arizona, Colorado y NCR México.
Las tribus Pueblo permanecen en sus comunidades tradicionales, principalmente en Nuevo México, donde hay diferentes pueblos que hablan cuatro idiomas distintos.
Hopi, otra tribu Pueblo, está ubicada en tres mesas en el norte de Arizona.
Acoma Pueblo en el oeste de Nuevo México se construyó hace mil años y es sin duda la labranza continuamente habitada más antigua de este país.
Bien conocidos por sus habilidades lapidarias, los principales pueblos fabricantes de joyas son los Zuni en el extremo occidental de Nuevo México y el pueblo de Santo Domingo al sur de Santa Fe.
Muchos de los joyeros contemporáneos de hoy han emigrado a áreas urbanas o a los centros de arte de Phoenix, Albuquerque o Santa Fe.
Aproximadamente a partir de 1870, los navajos comenzaron a crear joyas de plata limadas y estampadas basadas en tecnología adquirida de los plateros hispanoamericanos.
Aproximadamente a partir de 1870, los navajos comenzaron a crear joyas de plata limadas y estampadas basadas en tecnología adquirida de los plateros hispanoamericanos.
Veinte años más tarde comenzaron a engaste en bisel piedras nativas de turquesa talladas en sus piezas.
El pueblo pueblo aprendió sus habilidades de orfebrería de los navajos a principios del siglo XIX y produjo el mismo estilo de trabajo.
A partir de 1900, los comerciantes de reservas y los comerciantes de curiosidades de todo el suroeste comenzaron a promover las joyas y trabajos en metal de plata y turquesa de los Navajo y Pueblo, incluidas cucharas de recuerdo, entre su clientela turística.
Durante los últimos 100 años, la joyería nativa ha experimentado varios mercados en auge.
La década de 1970 fue un período de auge del mercado y la popularidad del estilo creó una demanda tan tremenda que las copias y reproducciones importadas se hicieron rampantes, dando a las joyas una mala fama por ser económicas y estar mal hechas.
Afortunadamente, se desarrolló una base de coleccionistas para el trabajo más sofisticado y creativo que alentó a una generación más joven de herreros a perseguir su visión de la joyería nativa.
Algunas de las platerías que por primera vez demostraron una desviación de los diseños tradicionales en el suroeste fueron las promovidas por Ambrose Roanhorse, un platero navajo que enseñaba en la Escuela Indígena del gobierno en Santa Fe a fines de la década de 1930.
Algunas de las platerías que por primera vez demostraron una desviación de los diseños tradicionales en el suroeste fueron las promovidas por Ambrose Roanhorse, un platero navajo que enseñaba en la Escuela Indígena del gobierno en Santa Fe a fines de la década de 1930.
Roanhorse propugnó un regreso a los métodos tradicionales, como el uso de láminas de plata laboriosamente martilladas a partir de lingotes orientales.
Sus diseños recién interpretados exigían formas fuertes y simples de líneas atrevidas realzadas con un estampado mínimo.
La turquesa, si se usaba, generalmente consistía en piedras únicas de alta calidad.
El público percibió estos diseños menos decorativos como ingeniosamente inspirados y reflejo de una estética modernista que floreció en los florecientes años de la posguerra.
Dos artistas pioneros, el navajo Kenneth Begay (1913-1977) a finales de los años 1940 y Charles Loloma (1921-1991) a finales de los años 1950, desarrollaron su propia obra moderna en la ciudad turística de Scottsdale, Arizona.
Con el hotel Arizona Biltmore de Frank Lloyd Wright cerca de I y sus estudios Taliesin al norte de la ciudad, el público sofisticado para su trabajo en metal nativo contemporáneo estaba fácilmente disponible y era muy receptivo.
Begay, con formación tradicional pero conocido por sus elegantes diseños modernos, producía encargos huecos y juegos de cubiertos, junto con joyas de plata adornadas con madera de hierro pulida del desierto o turquesa de calidad, en su tienda minorista en Scottsdale.
Begay, con formación tradicional pero conocido por sus elegantes diseños modernos, producía encargos huecos y juegos de cubiertos, junto con joyas de plata adornadas con madera de hierro pulida del desierto o turquesa de calidad, en su tienda minorista en Scottsdale.
Loloma, al principio pintora y ceramista, había estudiado en la School for American Craftsman de la Universidad Alfred antes de empezar a trabajar en metal.
Las innovaciones de Loloma incluyeron el uso de nuevos materiales, marfil fosilizado, texturas de piedra de toba natural, diamantes, oro, palo de rosa e incrustaciones de trozos elevados y exagerados.
Estos nuevos materiales, en combinación con su novedoso uso de la forma, dieron lugar a un género integral adoptado por los joyeros nativos más jóvenes.
Preston Monongye (1927-1987) se convirtió en el tercer pionero a mediados de la década de 1960 en trabajar en la fundición de piedra de toba que conservaba su textura tosca y arenosa detallada con dibujos de líneas en relieve.
Preston Monongye (1927-1987) se convirtió en el tercer pionero a mediados de la década de 1960 en trabajar en la fundición de piedra de toba que conservaba su textura tosca y arenosa detallada con dibujos de líneas en relieve.
Su trabajo presentaba formas orgánicas muy inusuales, a menudo incrustadas o superpuestas con cuentas de turquesa o piedras multicolores pulidas sobre incrustaciones de piedra.
Estos tres orfebres de mediados de siglo brindaron el ímpetu y la libertad a otros joyeros nativos para experimentar con un nuevo repertorio de piedras, conchas y texturas.
Varios joyeros nativos con vínculos familiares o de otro tipo con estos tres herreros innovadores están trabajando actualmente en el suroeste.
Verma Nequatewa, sobrina de Charles Loloma, trabajó con él durante casi 20 años.
Hoy en día produce piezas de joyería con incrustaciones bellamente elaboradas bajo su nombre Hopi, Sonwai, sus piezas se derivan en cierto modo del trabajo de incrustaciones en trozos de Loloma de finales de la década de 1970, pero muestran una paleta diferente.
Harvey Begay, hijo de Kenneth Begay y formado por él, ha hecho un gran esfuerzo por no basar su imaginería en los diseños de su padre.
Sin embargo, ha conservado un fuerte sentido de la forma y es hábil trabajando con la tradicional piedra de toba fundida, en este caso en oro de 14 quilates.
Las superficies texturizadas y el color del oro contrastan con los múltiples conjuntos de cabujones de coral.
Jesse Monongye, que trabajó con su padre Preston, ha desarrollado su propio nicho de diseño personal.
Uno de los pocos joyeros nativos que crea verdaderas incrustaciones de piedra pictóricas, se ha centrado en maravillosas imágenes del cielo nocturno que a menudo incluyen el planeta Saturno con sus anillos, estrellas fugaces y una luna creciente.
La perfección que aporta a estas incrustaciones extremadamente difíciles es asombrosa.
Algunos herreros nativos americanos han sido influenciados por varios aspectos de la platería histórica del suroeste y la consideran un recurso desafiante.
Algunos herreros nativos americanos han sido influenciados por varios aspectos de la platería histórica del suroeste y la consideran un recurso desafiante.
Otros joyeros tienen vínculos con su herencia familiar de fabricación de joyas y buscan inspiración en tradiciones familiares de larga data.
Mike Bird-Romero, de San Juan Pueblo, ha estado interesado durante mucho tiempo en la joyería y la orfebrería del suroeste, e incluso intentó reproducir algunas de las primeras obras más desafiantes y diseñó innumerables variaciones de las cruces de plata de Pueblo del siglo XIX.
En un caso, fabricó un brazalete en el estilo clásico revival promovido por Ambrose Roanhorse, pero optó por engastarlo con una piedra de matriz de ópalo exageradamente larga.
Edison Cummings, un consumado platero navajo, a menudo produce piezas huecas y cubiertos junto con sus diseños de joyería.
Su conocimiento del trabajo de sus predecesores es evidente en el juego de cubiertos, que es una variación moderna de un juego encargado por la familia Elkus en 1933 y fabricado por los herreros navajos Frank Charley y Eckley Yazzie, ahora en la colección de la Academia de Ciencias de California. en San Francisco.
Cummings presenta el mismo sello yeibechai en las manijas, pero también incluye estampado de chevrones al estilo de Kenneth Begay.
Verónica Poblano es hija de Leo Poblano (1905-1959), un famoso lapidario Zuni Pueblo de un pueblo conocido más por su tallado en piedra que por su trabajo en metal.
Verónica Poblano es hija de Leo Poblano (1905-1959), un famoso lapidario Zuni Pueblo de un pueblo conocido más por su tallado en piedra que por su trabajo en metal.
Su trabajo refleja la relativa importancia que tradicionalmente este pueblo le da a las piedras preciosas.
El mundo del arte nativo americano está repleto de linajes familiares: artistas que aprendieron su oficio de miembros de la familia, un rasgo que ya no es común en la cultura dominante.
Generaciones de plateros navajos, pueblo y hopi que fueron capacitados a una edad temprana continúan ejerciendo su oficio en todo el suroeste.
Hoy en día, muchos orfebres nativos del suroeste han asistido al Instituto de Artes Indígenas Americanas o han tomado uno o dos cursos en el Navajo Community College.
Otros han obtenido títulos de BFA y MFA en universidades de todo Estados Unidos y han estado expuestos y adaptados a técnicas no tradicionales como mokume, impresión con rodillo, reticulación y criado en sus repertorios.
¿Se pueden utilizar estas técnicas no tradicionales para expresar imágenes de los nativos americanos?
¿Cómo se ejemplifican estas expresiones culturales?
Un problema difícil que tiene a estos talentosos herreros caminando sobre la cuerda floja todos los días en el estudio.
Por supuesto, todos los artistas trabajan con recuerdos personales internos o épocas que pueden eludir al espectador, pero las imágenes o símbolos sónicos de los nativos americanos son bastante abiertos, si no trillados, como la pluma, el búfalo y la flecha, entre otros.
La mayoría de los orfebres nativos contemporáneos han rechazado estas imágenes estereotipadas, a menos, por supuesto, que las utilicen para comentarios culturales.
Entonces, ¿qué hay de nuevo en el mundo de la joyería india en el suroeste? ¿Cómo se conectan con sus culturas en el siglo XXI?
Algunos de estos artistas se basan en técnicas tradicionales pero utilizan un nuevo enfoque del contenido gráfico, mientras que otros utilizan imágenes tradicionales con técnicas contemporáneas.
Otros herreros nativos descubren que trabajar con técnicas tradicionales de formas novedosas les brinda la oportunidad de explorar cambios dentro de límites reconocibles.
Ric Charlie es un excelente ejemplo de un artista que actualiza la técnica tradicional.
Utiliza la antigua forma de fundir piedra de toba extraída localmente, una piedra volcánica comprimida: piedra pómez. Tradicionalmente, la técnica consistía en producir múltiples copias de una forma tallando una sección transversal triangular o una forma semicircular que se separaba fácilmente del molde de piedra.
En cambio, Ric Charlie talla el molde de piedra en ángulos rectos perfectos como una fresadora para crear sus diseños lineales, elevados y angulares nítidos.
Como resultado, el molde se rompe al retirar la pieza fundida, creando un objeto único que luego incrusta o colorea con pátinas químicas.
Además de conservar la textura natural del molde de piedra, a menudo utiliza imágenes de máscaras abstractas o paisajes más realistas en su trabajo.
Charlene Sanchez Rearm utiliza las técnicas y materiales lapidarios tradicionales comunes en el pueblo natal de su marido, Santo Domingo Pueblo, en Nuevo México.
Charlene Sanchez Rearm utiliza las técnicas y materiales lapidarios tradicionales comunes en el pueblo natal de su marido, Santo Domingo Pueblo, en Nuevo México.
Al superponer patrones de trozos de piedras de colores y conchas cementadas a placas de soporte de conchas, la Sra. Reano ha desarrollado sorprendentes formas lineales que, cuando se ensartan como un collar, crean nuevas formas adicionales.
Su uso de estas técnicas tradicionales alude al patrimonio económico y cultural del Pueblo y hace referencia a antiguas rutas comerciales hacia el Golfo de California.
Estas técnicas tradicionales se utilizan de forma novedosa para expresar dos ideas simultáneamente.
Estas técnicas tradicionales se utilizan de forma novedosa para expresar dos ideas simultáneamente.
En primer lugar, dan respeto cultural al pasado a la antigua usanza a la manera de los mayores y los maestros, y en segundo lugar, transmiten al espectador informado la herencia del creador, independientemente de la imagen moderna que pueda representarse.
Otra forma en que los joyeros contemporáneos del suroeste han abordado la expresión cultural es reinterpretando imágenes tradicionales de maneras novedosas.
Charles Supplee hace referencia a sus raíces Hopi con notables interpretaciones lapidarias de maíz combinadas con orfebrería contemporánea en oro.
Los joyeros navajos Carl e Irene Clark utilizan miles de piezas de piedra para crear sus imágenes con incrustaciones microfinas de figuras tradicionales yeibechai.
Otros orfebres del suroeste que hacen referencia a imágenes nativas en su trabajo incluyen a Linda Lou Metoxin, Cheyenne Harris y el equipo de Gail Bird y Yazzic Johnson. Metoxin, en su magnífico servicio de café Deer Hunter, utiliza figuras de cazadores con ciervos huecos y abstractos como mangos.
Otros orfebres del suroeste que hacen referencia a imágenes nativas en su trabajo incluyen a Linda Lou Metoxin, Cheyenne Harris y el equipo de Gail Bird y Yazzic Johnson. Metoxin, en su magnífico servicio de café Deer Hunter, utiliza figuras de cazadores con ciervos huecos y abstractos como mangos.
Son bastante similares en proporción y detalle al tradicional venado en forma de corazón que a menudo se encuentra pintado en la cerámica del Pueblo Zuni.
Pocos plateros nativos han aprendido las habilidades necesarias para crear huecos, aunque Kenneth Begay recibió el encargo de fabricar varios juegos de té y café en las décadas de 1950 y 1960.
Gail Bird y Yazzie Johnson, una colaboración Pueblo y Navajo, han trabajado juntas diseñando y fabricando joyas elegantes durante al menos 25 años.
Utilizando su alijo cuidadosamente seleccionado y atesorado de cabujones de jaspe con imágenes únicas, han creado tres hermosas hebillas con paisajes integrales del suroeste o imágenes de accidentes geográficos.
Esto ejemplifica su reverencia por el paisaje que a menudo les ha proporcionado conceptos de diseño a lo largo de su carrera.
Las hebillas se realzan aún más para el usuario gracias a los intrigantes y secretos dibujos perforados en las placas traseras plateadas.
Cuatro artistas nativos americanos cuyo trabajo se aleja de técnicas o imágenes tradicionales son Richard Chávez, Preston Duwyenie, Eugene Nelson y Dylan Poblano.
Chávez, de San Feline Pueblo, al norte de Albuquerque, ha trabajado con motivos limpios y sobrios durante la mayor parte de su larga carrera como joyero.
Preston Duwyenie, de ascendencia hopi, es conocido como joyero y ceramista.
Durante casi 10 años ha estado combinando estas habilidades principalmente en elegantes formas de cerámica realzadas con inserciones de plata texturizada.
Dylan Poblano es nieto del estimado tallador Zuni Leo Poblano y un joven diseñador notable.
En estos tiempos de rápidos cambios y globalización, los valores asociados a la identidad cultural se vuelven cada vez más importantes.
Como artistas, la cultura importa, y esta base de joyeros nativos americanos encontró un lugar para su herencia en el diseño y la fabricación de su arte.
Hace años, los forasteros buscaban autenticidad y primitivismo en el arte de los pueblos tribales.
Hoy existe una nueva perspectiva, un respeto por los desafíos interculturales que informan el trabajo de los orfebres nativos contemporáneos.
La obra valora simultáneamente la herencia de los artistas y acepta sus ideas innovadoras y sus habilidades excepcionales.
Cuanto más sepa sobre el suroeste y las culturas de los artistas que producen sus trabajos en metal, más intrigante, compleja y significativa se vuelve la obra.
Cuanto más sepa sobre el suroeste y las culturas de los artistas que producen sus trabajos en metal, más intrigante, compleja y significativa se vuelve la obra.
Su búsqueda continua de diseños ingeniosos y reflexivos aportará una mayor profundidad a nuestra comprensión de lo moderno en la joyería de los nativos americanos.
Fernando Gatto
Kaia Joyas Uruguay
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